Burn out（2026）91 x 72.5cm 30F。
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大多數人認識柯宇森是因為銀幕上的角色，但在那段被迫停下腳步的疫情日子裡，他意外地在公寓一角拿起了畫筆。沒有藝術背景的包袱，他只是單純地想在封閉的空間裡，為情緒找一個出口。對他來說，畫畫不是為了證明什麼，而是在演員的身分之外，找回一個可以誠實面對自己的安靜片刻。
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Doughnut（2025）91 x 72.5cm 30F。
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在疫情中拾起的畫筆
疫情封城的日子對許多人來說是停滯且焦慮的，但對柯宇森來說，卻是一個重啟自我的意外開端。當時政府規定大家必須待在家裡，他想著生活總得找點事情來填補，於是隨手買了一些畫布、顏料和畫筆。除了小學時期的基礎美術課程，他從來沒有受過正規的藝術教育，但也正因為這張白紙般的背景，他在創作時反而感到前所未有的自由。原本習慣在家看電影、看劇本消磨時間的他，就這樣在自己玩顏料的過程中，一步步摸索出屬於自己的線條，這條不曾預設過的道路，就這樣一路走到了現在。
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Forced indoctrination（2025）116.5x91cm 50F。
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從演員視角到畫布構圖
身為一名演員，柯宇森的生活長期與劇本、燈光和鏡頭為伍，這份專業訓練在無形中成了他最深厚的創作養分。他提到，自己平日有大量的觀影習慣，特別是那些對色彩運用有著極致堅持的導演，這深深地影響了他的審美與直覺。對他來說，電影裡的配色不只是為了畫面好看，更是一種無聲的敘事媒介。當他從鏡頭前轉向畫架，那些長期沉澱在腦海中的影像美學便自然地轉化為鮮明且具張力的色塊，他筆下的每一抹色彩，都像是他眼中某個電影片段的延伸，充滿了戲劇性的情緒張力。
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Fine words butter no parsnips（2025）116.5 x 91cm 50F。
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讓直覺與感官對話
柯宇森的創作過程並不是一場嚴密的邏輯計算，他更傾向於讓身體的直覺去引導。在進入創作狀態時，他習慣讓自己處於一種極度放鬆、近乎微醺的氛圍中，這能幫助他暫時關閉理性的控制與防備，讓真實的靈魂流露出來。他認為創作時需要一點感性的催化，在不刻意追求完美的過程中，他能更坦然地去觸碰內心更深層的情緒和不曾被揭露的B面。對他而言，這不只是在創作一張張漂亮的作品，而是在進行一次次誠實的自我剖析，透過筆觸將最真實的感受原封不動地呈現出來。
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Untitled（2024）130x97cm 60F。
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追求內心的共鳴
柯宇森的創作世界裡，時常可以看見顏料和色塊交織出的扭曲線條，像是存在著某種無形的能量，向世人傾訴這個社會的詬病。他意識到，現代人在快速且高壓的社會下，時常忽略自己內心角落的情緒，導致最後可能面臨被黑色情緒吞沒的可能。正因如此，他欣賞那種能直接撞擊內心、帶有濃烈生命力的表達方式。
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In face（2023）91×72.5cm 30F。
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在舉辦展覽時，他特別重視空間營造出的氛圍，希望觀者進入展場後，能暫時忘記外在世界的紛擾，完全沉浸在作品帶來的氛圍中。他強調，藝術創作不應該只是為了追求精緻的視覺效果，更重要的是那份誠實的個人表達。他希望觀者在看畫時，不只是在觀看一張「作品」，而是能夠從那些強烈的對比與色塊中，找到與自己內心反思共鳴的瞬間。
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Under pressure（2023）162cm x 130cm 100F。
